Mesa Noguchi

“Todo es escultura” Isamu Noguchi

Un ícono atemporal. La Mesa Noguchi, diseñada por Isamu Noguchi en 1944, es una síntesis perfecta entre arte y funcionalidad. Compuesta por dos piezas idénticas de madera que se encajan en forma orgánica y sostienen un tablero de cristal, su diseño refleja la búsqueda del equilibrio entre la simplicidad formal y la estabilidad estructural. Esta obra es mucho más que un mueble: encarna la esencia del movimiento de diseño orgánico, del cual Noguchi fue un exponente clave, fusionando escultura y diseño en un objeto cotidiano. Desde su creación, la mesa ha pasado a ser una referencia indiscutible en el mobiliario moderno y continúa inspirando a diseñadores alrededor del mundo.

Más que una simple mesa de café, la Mesa Noguchi es una escultura funcional que ha desafiado las fronteras entre arte y diseño por más de 70 años. Para Noguchi, la tarea del escultor iba más allá de dar forma a objetos; se trataba de ordenar y dar significado al espacio que lo rodea, integrando su arte en el entorno y permitiendo que este “desapareciera” en él.

El trasfondo multicultural de este diseñador, con un padre poeta japonés y una madre escritora de origen escocés-americano, lo llevó a apreciar la “unidad” en su trabajo, evitando las limitaciones de un estilo único. Sus creaciones podían oscilar entre la abstracción de las obras de Henry Moore y el realismo de las esculturas de Leonardo. Usando una amplia variedad de materiales —piedra, metal, madera, arcilla, y más— y técnicas, que iban desde el tallado hasta la fundición, su trabajo reflejaba una incesante búsqueda de aprendizaje y descubrimiento.

Entre sus contribuciones más memorables se encuentran el diseño de la famosa mesa de café para Herman Miller y jardines emblemáticos como los del edificio de UNESCO en París. Su legado abarca más de seis décadas de innovación y expresión artística, dejando una huella indeleble en el mundo del diseño y la escultura.

Isamu, un artista sensible y comprometido, tomó decisiones valientes durante momentos difíciles, como su voluntariado en un campamento de reubicación para japoneses-estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial, una experiencia que reafirmó su dedicación al arte. A través de su trabajo, no solo redefinió la escultura, sino que también elevó el diseño a un arte que celebra la belleza, la funcionalidad y la conexión con el espacio que habitamos.

La historia detrás de la Mesa Noguchi comienza en 1939, durante un viaje a Hawái que Isamu Noguchi realizó para colaborar en una campaña publicitaria junto a la artista Georgia O’Keeffe. En ese contexto, conoció al diseñador británico T.H. Robsjohn-Gibbings, quien le pidió que diseñara una mesa de café. Noguchi creó un modelo pequeño en plástico, con su característico enfoque escultórico. Sin embargo, no recibió ninguna respuesta por parte del diseñador antes de ser internado en un campo de concentración en Arizona; al ser clasificado como ciudadano nipón-estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial.

Años más tarde, Noguchi quedó sorprendido al ver una versión muy similar de su diseño publicada en una revista, atribuida a Robsjohn-Gibbings. Al confrontarlo, la respuesta del británico fue tajante: “Cualquiera puede hacer una mesa de tres patas”. Esta frase, cargada de desprecio, impulsó a Noguchi a perfeccionar su concepto y desarrollar su propia variante del diseño.

Su reinterpretación del modelo inicial fue más allá de una simple mesa: buscó crear una pieza que encarnara la unión perfecta entre arte y funcionalidad. La versión definitiva fue publicada en 1944, ilustrando un artículo escrito por George Nelson titulado: “Cómo hacer una mesa”. Este texto, que celebraba la simplicidad y elegancia del diseño, marcó el nacimiento oficial de la Mesa Noguchi y su incorporación al catálogo de Herman Miller.

Lo que comenzó como un incidente de apropiación terminó convirtiéndose en una obra maestra, demostrando que la respuesta creativa de Noguchi trascendió la competencia y cimentó su legado en el diseño moderno.

Para él, esta mesa representa un logro significativo en su carrera. A lo largo de su trayectoria, diseñó jardines, fuentes, murales y muebles, pero consideraba que la mesa que lleva su nombre era su verdadero éxito. Con ella, buscaba lograr un equilibrio perfecto entre el arte y la funcionalidad. Realizada en cristal y madera, la Mesa Noguchi se caracteriza por su diseño orgánico, concebido en 1944, en una época de efervescencia del movimiento de este tipo de diseño.

Formada por tres piezas esenciales: dos bases de madera idénticas que se entrelazan en forma de escultura y una tapa de cristal transparente que descansa sobre ellas, sin necesidad de tornillos ni anclajes. Esta disposición minimalista resalta tanto la estética como la funcionalidad, reflejando la filosofía de su autor.

La base de la mesa, compuesta por dos piezas de madera curvada, proporciona estabilidad y una sensación de movimiento fluido. La superficie de cristal, además de aportar ligereza visual, permite apreciar plenamente la forma escultórica de la base desde cualquier ángulo. Este diseño logra un equilibrio perfecto al evitar el exceso de ornamentación.

Las dimensiones de la mesa —40 cm de alto, 130 cm de ancho y 90 cm de profundidad— logran un equilibrio visual que la hace funcional y estéticamente atractiva en cualquier entorno. Los acabados disponibles en nogal, cerezo natural y negro permiten que esta pieza se adapte a diferentes estilos de decoración, desde los más contemporáneos hasta los más clásicos.

A lo largo de los años, la Mesa Noguchi ha visto varias variantes y ediciones especiales. Después de que su producción cesara en 1973, debido a un bajo nivel de ventas, la mesa fue reintroducida en 1980 en una edición limitada de 480 unidades. Desde 1984, la pieza se ha mantenido como parte de la colección Herman Miller Classics, donde ha evolucionado en términos de acabados y materiales. Originalmente disponible en palisandro y cristal, actualmente se ofrece en una variedad de acabados, incluidos nogal, cerezo natural y negro; lo que permite que la mesa se integre en diversos estilos de decoración. Esta evolución refleja la atemporalidad de su diseño y su capacidad para adaptarse a las tendencias contemporáneas, manteniendo su esencia.

Esta pieza escultórica demuestra que la belleza y la funcionalidad no son opuestas, sino complementarias. Hoy, sigue inspirando a diseñadores y usuarios a encontrar la armonía perfecta entre forma y propósito.