Notre de París y una caricatura espacial

El diseñador Sebastián Errazuriz ha sugerido convertir la catedral de Notre-Dame en una plataforma de lanzamiento de cohetes espaciales. Se trata, según señaló el artista, de un “acto de creatividad creativa” buscando evitar que los profesionales sigan sugiriendo propuestas para el arreglo de la cubierta y la torre del templo incendiado meses atrás.

Errazuriz, nacido en Chile y radicado en Nueva York, publicó imágenes en Instagram, junto a una carta abierta mediante la cual pide a los arquitectos que dejaran de pensar en conceptos para la catedral.

“Ésta no es una propuesta seria. Es un acto diseñado para ridiculizar a todas las firmas que permanecen rodeando el cadáver de Notre-Dame con propuestas de techo”.

Errazuriz busca, a partir de esta ironía, que no se creen más propuestas. Las sugerencias de reemplazo hasta ahora han incluido una granja, una piscina y un invernadero, entre otras.

“El mío es una obra de arte poco elaborada, diseñada para agotar la paciencia de la audiencia”, dijo.

Errazuriz admitió que en un principio se había sentido tentado a unirse con un diseño propio, pero llegó a la conclusión de que no se debería realizar ningún trabajo de reconstrucción.

Dio al cohete un patrón de cuadrados rojos y blancos alrededor de su base, en un guiño a las ilustraciones de “Las aventuras de Tintín”. El caricaturista belga Hergé dibujó una nave espacial roja y blanca para los cómics de Destination Moon.

“Dejen caer sus bolígrafos y centren su creatividad en otra cosa. El mundo necesita sus ideas. Notre-Dame no. Además, después de ver este precioso cohete de lanzamiento de cohetes, ¿cómo podrían competir sus diseños?”, dijo el diseñador.

Las reparaciones en Notre-Dame tomarán décadas según estiman los expertos, aunque el presidente de Francia ha prometido reconstruirla en sólo cinco años.

El nuevo barrio de moda en Londres

Mientras por nuestras tierras los galpones ferroviarios siguen sin destino y vandalizados, en el londinense barrio de King’s Cross su estación de tren conforma una suerte de microcosmos. En sus alrededores se concretó uno de los mayores proyectos de regeneración urbana de la ciudad: el centro comercial Coal Drops Yard, inaugurado en un espacio repleto de historia.

A mediados del siglo XIX aquí se descargaban cada año toneladas de carbón y se repartían en carros para abastecer Londres. Un siglo después, estos almacenes victorianos se convirtieron en el epicentro del clubbing londinense.

Una restauración del estudio Thomas Heather­wick ha unido dos edificios de ladrillo y hierro fundido mediante tejados ondulados recubiertos de pizarra, convirtiendo el complejo en el nuevo destino de compras. Sus arcos albergan unos 50 comercios de creadores emergentes.

El corazón de la regeneración es Granary Square, plaza que desde el año 2011 alberga a la escuela de moda Central Saint Martins. Su principal atracción son sus fuentes de colores: 1.080 chorros coreografiados que en días de calor se transforman en una piscina urbana.

Entre las zonas verdes de King’s Cross se destaca el Gasholder Park, un césped circular rodeado por la estructura de un antiguo gasómetro y por una instalación de espejos.

Con un puñado de puestos y food trucks que van rotando, el lugar es un paraíso de la comida callejera. Los históricos edificios dan al sitio un valor agregado único.

Foster y un aeropuerto fantástico

En marzo de 2013 comenzó la construcción de la Terminal 2 del Aeropuerto Internacional de Tocumen, a 24 kilómetros de la ciudad de Panamá, lugar que a fines de abril ha iniciado sus operaciones, al completarse la primera fase diseñada por el británico Norman Foster.

Con cuatro niveles y 85.000 metros cuadrados, la infraestructura aeroportuaria busca atender el crecimiento del tráfico e impulsar el desarrollo socioeconómico y turístico del país.

Bajo una cubierta de bronce que permite el acceso de luz natural, el diseño presenta dos alas simétricas de muelles extendidas a este y oeste. La forma curva de la fachada minimiza las distancias en los desplazamientos y alberga un gran número de zonas de embarque.

Museo Antropológico de Tarapacá

Daniel Libeskind presentó su diseño para el Museo Regional de Tarapacá.

El nuevo edificio incluirá 3.760 m² para mostrar su colección y reemplazar el antiguo construido en 1892, que actualmente puede mostrar el 20% de la colección. Estará dedicado a la historia prehispánica de la cultura de Atacama, que se remonta a 6.000 años.

Iquique es una ciudad portuaria en el norte de Chile, construida durante el siglo pasado, con una industria turística sólida. El museo es parte de un plan de desarrollo.

La inspiración del titulado “Dragón de Tarapacá” provino del paisaje austero del Desierto de Atacama, los gigantescos acantilados y la duna urbana de Iquique, el “Cerro Dragón”.

Se compone de tres pares de paredes verticales paralelas que dan forma a los espacios principales. “Cada volumen hace referencia al paisaje circundante: duna, montaña, desierto, océano”, dijo Daniel Libeskind, autor del proyecto.

A lo largo de la avenida principal, La Tirana, un jardín en pendiente conduce a la entrada del museo.

Los espacios de exposición se extienden a lo largo del edificio en dos pisos, terminando en un espacio vertical, donde una pared de espejo refleja el acantilado y la duna.

En la construcción se usarán materiales típicos de la región, como pisos de madera dura y concreto de color tierra. El proyecto está programado para comenzar a principios de 2020.

El pabellón de Le Corbusier cobró vida

En mayo de 2019 reabrió el maravilloso y renovado Pavillon Le Corbusier en Zurich.

El último edificio del arquitecto suizo es una colorida obra que funciona como museo. La exposición inaugural, Mon univers, explora la pasión de este arquitecto, diseñador y artista.

El Pavillon se comenzó a construir en 1964 pero se detuvo en 1965 con la muerte de Le Corbusier. Posteriormente, se tuvo que organizar un nuevo equipo para completar el edificio.

Fue inaugurado en 1967, como el último diseño de Le Corbusier. Cuando el contrato de arrendamiento expiró, la propiedad pasó a ser propiedad de Zurich.

Le Corbusier diseñó el pabellón con el objetivo de construir un lugar de exposición ideal. El arte, la arquitectura y la vida se fusionarían en una nueva simbiosis. Con este espacio de exhibición, Le Corbusier realizó su visión de una “síntesis de las artes”.

La construcción, similar a un barco, se basa en el sistema de proporciones Modulor y el edificio incorpora principios como prefabricación, rampa de acceso, jardín en el techo y el “promenade architecturale”, para permitir al visitante ver y experimentar la arquitectura.

El pabellón, de unos 600 m² y cuatro pisos, ofrece varias perspectivas. Los muebles de Le Corbusier se extienden por el espacio.

Eva Wagner fue contratada hace años para administrarlo. Los arquitectos Silvio Schmed y Arthur Rüegg analizaron el edificio para restaurarlo. Hoy brilla con la misma elegancia y colores que la primera vez.

Árboles dentro de un estadio de fútbol

El curador Klaus Littmann imaginó un futuro donde los bosques solo existen dentro de los estadios, como los animales en un zoológico.

Littmann trabaja con Enea Landscape Architecture en una instalación que verá 300 árboles plantados en el Wörthersee Stadion, hogar del equipo de fútbol Austria Klagenfurt.

Considerada como la instalación de arte público más grande de Austria, solo será visible para quienes se encuentren dentro del estadio.

La instalación se basa en un dibujo del arquitecto y pintor alemán Max Peintner (81), el cual fue coloreado por Littmann.

Littmann, especialista en arte contemporáneo con sede en Basilea, decidió llevar a cabo este proyecto surrealista luego de encontrar el dibujo The Unending Attraction of Nature, el cual muestra un bosque en una pista rodeada por un estadio lleno de espectadores, con una ciudad llena de humo y de fábrica al fondo.

Bancos antiterrorismo en el Times Square de Nueva York

Interpretando algunos de los riesgos que corre el mundo actual, el diseñador neoyorquino Joe Doucet ha creado un banco de concreto impreso en 3D que, además, funciona como una barrera para proteger los espacios públicos de ataques terroristas con vehículos.

El diseño comprende una pila de bancos que pesan más de una tonelada y se unen entre sí mediante varillas de acero. Cuando los asientos son golpeados por un vehículo permanecen unidos y se deslizan a lo largo de los discos para formar una barrera.

Rely, tal el nombre de los bancos, se construyeron en Times Square para el festival NYCxDesign de este año, y pretende ser una alternativa “discreta” para proteger las áreas peatonales de los ataques de embestida terroristas y los accidentes automovilísticos.

“Las barreras de hormigón tradicionales destinadas a brindar seguridad tienden a ser brutales e intrusivas, y funcionan como un recordatorio de que no estamos seguros en grandes congregaciones”, dijo Doucet.

Estos bancos adoptan un enfoque humanista: la función alternativa de sentarse cuando no realiza tareas de protección y mejora su entorno con belleza en lugar de recordatorios de la agresión”.

Su sentimiento concuerda con otros diseñadores que han buscado formas alternativas de proteger los espacios públicos de los ataques, luego de acontecimientos en Manhattan, Londres, Barcelona y Florencia.

El arquitecto italiano Stefano Boeri propuso emplear árboles y macetas en lugar de las barricadas de estilo militar, mientras que la firma de ingeniería británica ATG Access diseñó objetos para proteger a los fanáticos de fútbol sin “una sensación hostil o amenazadora”.

Doucet se unió a UrbaStyle, un fabricante de muebles, para producir el banco Rely. Juntos trabajaron para desarrollar un sistema que imprima en 3D los bancos con extrusión, técnica que dispensa material a través de una boquilla controlada por computadora.

Los bancos tienen un perfil triangular, de modo que se pueden apilar en configuraciones infinitas, mientras que los métodos de impresión dejan marcas estriadas en la superficie.

Casa Catalina: cajas apiladas

Catalina es una vivienda unifamiliar de 85 m² ubicada en Punta de Lobos, pequeña localidad de pescadores y surfistas en la costa de Chile que ha tenido un fuerte desarrollo inmobiliario.

El sitio con el que se contaba para el proyecto era de dimensiones reducidas (335 m²) con pendiente. La obra se emplaza dentro de un condominio denso, quebrando los ángulos de sus fachadas y cubiertas, diferenciando su aspecto por el contraste entre los materiales, texturas y reflejos. Lo que en principio parecían restricciones para la propuesta se convirtieron en oportunidades. La estrategia fue elevar la casa sobre pilares para despejar el terreno, con vistas hacia el mar.

Cuenta con dos dormitorios y áreas comunes amplias que se vinculan entre ellas, donde se realizan la mayor parte de las actividades del hogar. En su interior la luz es protagonista, resaltándose matices a lo largo del día por los planos inclinados donde se alternan las materialidades y las texturas entre el blanco y la madera.

La madera atestigua el paso del tiempo, pasando de los tonos blanquecinos al dorado. Amplios ventanales hacia el poniente rescatan las vistas del océano, asegurando una buena iluminación durante el día. Se muestra, en cambio, más bien hermética hacia la calle y el sur.

La producción de la madera es una de las principales actividades económicas de la región, eligiéndose este material para la construcción. Por otra parte entrega propiedades sísmicas ideales para las condiciones locales. Con ésto se resguardó un requerimiento de economía y sustentabilidad.

Un jardín japonés: tierra y agua

El jardín botánico Water Garden, una elaborada creación que combina elementos de jardín teóricos y modernos para desarrollarse dentro de la naturaleza, fue creado por la arquitecta Junya Ishigami (45), ganadora del Premio de Arquitectura de Japón y del Golden Lion en La Biennale de Venezia.

Ishigami ha generado un paisaje a partir del traslado de cientos de árboles para replantarlos y salvarlos como herencia procedente de una parcela que iba a ser transformada por un complejo hotelero en la prefectura de Tochigi.

El jardín varía en apariencia según la época del día y del año, creando un espacio único para diálogos meditativos entre la naturaleza y el hombre.

Originalmente el sitio estaba muy arbolado, antes de ser despejado para crear campos de arroz. Más tarde se convirtió en praderas.

Se usaron herramientas tradicionales para nivelar el agua cuando el sitio era campos de arroz, como una forma de llevar el río que fluye cercano al sitio. Se volvieron a plantar alfombras del musgo que crecen silvestres en los suelos forestales circundantes.

Árboles, agua y musgo se combinan y emergen formando un nuevo paisaje.

Se generaron numerosos estanques entre los árboles para permitir el reflejo de la luz solar que se filtra, y se ubicó el musgo entre los árboles y los estanques.

El paisaje creado consta de los mismos componentes ambientales que originalmente se encontraban en el sitio, conformando una “nueva naturaleza” al combinar los elementos en una configuración que enfatiza los aspectos de la naturaleza que el hombre y el arte no pueden crear.

OMA levanta vuelo en un campus de Chicago

El estudio de arquitectura OMA ha sido encargado de diseñar el nuevo Centro de Artes de la University of Illinois at Chicago, ubicado en una de las esquinas del campus.

El proyecto consiste en un centro público y un hogar para la Escuela de Teatro y Música, y constará de una sala de conciertos, teatro, salas de ensayo instrumental y coral, y talleres de producción teatral.

El diseño propone dos torres: una de estudiantes mirando hacia el campus y una pública que mira a la ciudad. Grandes rampas fluyen desde la calle hasta el segundo nivel, que conecta los espacios exteriores e interiores.

El diseño fue inspirado por el autor original del campus, Walter Netsch, reinterpretando sus principios para concebir una flexibilidad única para la sala de conciertos.

“Nuestro diseño se centra en fomentar el diálogo entre la actuación y el público. En colaboración con la Facultad de Arquitectura, Diseño y Artes y la Escuela de Teatro y Música, esperamos crear una apertura y una accesibilidad extrema al introducir una nueva plataforma para las diversas actividades”, se explicó desde OMA.

La construcción tiene un techo translúcido, similar a una tienda de campaña, con energía fotovoltaica incrustada que se extiende entre las torres, cubriendo la sala de conciertos y el teatro. Los colores de los volúmenes de espacio de rendimiento brillarían a través de las áreas translúcidas.

El proyecto requirió una sala de conciertos con 500 asientos y una flexible de 270. También incluye instalaciones de apoyo, una pequeña cafetería y espacio para exposiciones.

Renzo Piano diseña un distrito ecológico

El estudio del arquitecto italiano Renzo Piano (82) ha diseñado una serie de residencias “flotantes” junto al mar para un nuevo distrito ecológico en Mónaco.

Apodado Portier Cove, el eco-distrito será una extensión de la línea costera del Principado, desde el Foro Grimaldi hasta el túnel de Fórmula Uno.

El proyecto tiene 125 metros de largo y se eleva cuatro metros sobre el suelo como una serie de residencias flotantes sobre un gran paseo.

Contará con celdas solares en el techo y soluciones de iluminación que evitan el uso de contraventanas para preservar la fachada de cristal del edificio y las vistas al mar.

La arquitectura del paisaje está diseñada como un continuo de la forma de relieve existente. El desarrollo contará con un parque público de una hectárea, puerto, estacionamiento público subterráneo, oficinas y comercios, así como edificios y villas privadas.

Piano, una leyenda del mundo de la arquitectura, es coautor del mítico Museo Pompidou de París.

Un tapiz de la Bauhaus, encontrado después de 30 años

Anni Albers (Berlín, 1899 - Connecticut, 1994) fue una diseñadora textil, tejedora, pintora y diseñadora alemana, profesora de la Escuela de la Bauhaus.

La obra de Albers de 1968 es clave en la transición de la artista desde el diseño textil al grabado. Por eso siempre interesó la versión de la existencia de una obra colgada en la pared de un hotel de México: un tapiz clave en la etapa final de la docente de la Bauhaus, al que se le había perdido el rastro.

El misterio se resolvió hace pocos meses. La pieza nunca se movió demasiado: de la pared del vestíbulo pasó al sótano del hotel Camino Real de Ciudad de México, donde permaneció olvidada casi 30 años, entre polvo y humedades, mientras su autora se revalorizaba en galerías y museos de arte contemporáneo como la pionera que sintetizó abstracción y artesanía, elevando los textiles a una de las bellas artes.

Enrollado como una alfombra y apretujado al fondo de una estantería se encontró el tapiz, mientras se recopilaba documentación para hacer un libro homenaje a los 50 años del hotel que contó con Luis Barragán y Mathias Goeritz como asesores de su diseño.

“Sabíamos que Anni había sido uno de los encargos. El responsable de la bodega donde almacenan muebles viejos no sabía nada hasta que le enseñamos una foto. Entonces lo reconoció. Lo extendimos y casi nos desmayamos”, comentó uno de los expertos.

Albers abandonó Alemania rumbo a Estados Unidos en 1933, año del cierre de la Bauhaus. En Dessau convivió en las casas diseñadas por Gropius junto con Paul Klee y Wassily y Kandinsky.

Su refugio americano fue Black Mountain College, en Carolina del Norte. De allí saltaron en 1950 a la Universidad de Yale. Hasta el campus de New Haven viajaron en coche en 1967 Luis Barragán, Mathias Goeritz y Ricardo Legorreta para proponerle a Anni Albers el encargo.

El entusiasmo entre los académicos escaló otro peldaño cuando una de las investigadoras involucradas en el hallazgo viajó a la Tate para anunciar la noticia: “Fue recibida con asombro. Casi no había detalles, solo sabíamos que era textil, pero nada de los materiales ni manufactura”, cuenta Ana Elena Mallet, curadora mexicana especializada en diseño.

Titulada “Camino Real” y fechada en 1968, la colgadura mide casi tres por tres metros y está considerada punto de inflexión en la trayectoria de Albers. A diferencia de la mayoría de sus obras, producidas en su estudio por medio de un telar a pedales, en este caso se trata de una estructura industrial de fieltro de lana y reverso de algodón.

Sobre el panel de fieltro, Albers cosió a mano pequeños triángulos de diferentes tonalidades de rojo, en uno de los característicos juegos geométricos con los que continuaría experimentando de manera casi científica pero cada vez menos ya sobre un soporte textil.

El proceso de restauración duró cuatro meses. “Se colocó un bastidor de cedro contra el ataque de los insectos, se llevó a cabo un microaspirado entre el tejido. Después se lavó con gasolina blanca, se rehizo el fieltro perdido con lana natural y se remataron las costuras en zigzag de los triángulos con hilo de poliéster”, explica Renato Camarillo, restaurador de la obra.

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Centro Kálida Sant Pau, en Barcelona

Diseñado por la arquitecta Benedetta Tagliabue y por Joan Callís, del estudio catalán Miralles Tagliabue EMBT, este pabellón destinado a la atención de enfermos de cáncer se sitúa junto al que fuera el Hospital de la Santa Creu i Sant Pau de Barcelona, obra de Lluís Domènech i Montaner, considerado Patrimonio de la Humanidad.

El edificio forma parte de la red internacional de centros de la fundación escocesa Maggie’s que asesoran a pacientes de cáncer, algunas de cuyas obras han sido proyectados por arquitectos como Norman Foster, Frank Gehry, Zaha Hadid y Rem Koolhaas, entre otros.

Con ambientes íntimos y acogedores diseñados junto a la interiorista Patricia Urquiola, el Centro cuenta con 400 m² organizados en dos niveles y abiertos a un jardín.

El piso inferior está planteado como un espacio flexible en abanico al que se accede directamente desde el departamento de oncología. Su núcleo central está articulado en torno a un comedor de doble altura, donde se sitúan una gran mesa y la cocina.

Con un presupuesto de 1.850.000 euros, el pabellón está inspirado en la naturaleza y se integra en el entorno de tradición modernista con una cubierta cerámica de color verde y fachadas que presentan celosías con piezas esmaltadas en blanco.

Masterplan Playa Ferroviaria Colegiales

El proyecto de Marcelo D’Andrea y Oliverio Najmias obtuvo el primer premio en el Concurso Nacional de Ideas para recuperar el uso de los terrenos ferroviarios en Colegiales, Buenos Aires.

La propuesta, seleccionada entre 47 participantes, fue la única que hizo un planteo colocando los edificios perpendiculares a las vías, minimizando el impacto sobre los vecinos y maximizando los precios de venta.

Las bases solicitaban se pudieran alojar 80.000 m² destinados al uso privado dentro del predio en la Playa de Maniobras Ferroviarias de Colegiales.

Pensando en la convivencia con los vecinos, se plantea una parcelaria que minimiza los frentes sobre la traza ferroviaria y maximiza las visuales sin renunciar a la posibilidad de tener un parque.

Los edificios se plantean como torres tipo placas, con su lado menor de no más de 19 metros sobre la calle y con su lado mayor haciendo frente a los espacios verdes.

Se busca así pensar una ciudad que genere contacto visual, lo cual aumenta la seguridad y el bienestar.

Los edificios serán de perímetro libre, con una altura máxima de 25 metros y por sobre esta altura se permite un retiro a 4 metros.

Las cubiertas serán verdes, para mitigar el impacto de los edificios en el entorno.

El parque nuevo posee una importante arboleda de especies nativas que junto con los arboles de la plaza ya existente forman un buffer vegetal que aísla a los usuarios del entorno construido. Así se consiguen: 22% Espacio Privado y 78% Público; 48% Superficies Secas y 52% Verdes.

Otro Guggenheim crece en Abu Dhabi

A casi 30 años de la construcción de la sede del museo Guggenheim en Bilbao, España, ahora es Abu Dhabi la que se embarca en una propuesta similar, con un mega proyecto del mismo autor, el arquitecto Frank Gehry. Ubicado en la Isla Saadiyat, en el Golfo Pérsico, se ubicará junto al Louvre Abu Dhabi, y exhibirá arte dentro de una montaña de bloques de yeso y conos translúcidos.

Richard Armstrong, director del Solomon R. Guggenheim Museum dijo que el proyecto está en camino, con un presupuesto para iniciar la obra.

Rodeado en tres lados por las aguas del Golfo Arábigo, el sitio de construcción también sirve como un dique artificial para proteger la zona de playa de la isla.

Inspirado por los amplios espacios de estudios industriales, el diseño refleja la gran escala en la que trabajan muchos artistas contemporáneos y presenta diseños de galerías a diferencia de los espacios convencionales de los museos.

Grupos de galerías en diferentes alturas, formas y caracteres permiten flexibilidad en la organización de exposiciones en dimensiones que no existían anteriormente.

Otros grupos verticales de galerías se apilan sobre la circulación central, creando una combinación de espacios verticales y horizontales.

La forma del edificio es de una complejidad extrema, propia de las obras de Ghery.

Las redes y el plástico

Second Nature es un proyecto concebido por el estudio The New Raw de Rotterdam, bajo los auspicios de la Fundación Aikaterini Laskaridis de Grecia.

La iniciativa apunta a crear conciencia sobre los problemas de la contaminación plástica marina y los desafíos de la conservación de la vida silvestre causados por las redes de pesca abandonadas.

El proyecto comenzó en Grecia, donde The New Raw trabajó con los pescadores y buceadores para recolectar redes de pesca sintéticas desechadas, también conocidas como redes fantasma. Consideradas como las ruinas oceánicas más mortíferas y una amenaza para el medio ambiente, estas redes permanecen en el lecho marino durante años, atrapando peces, mamíferos y otras criaturas marinas.

Second Nature busca provocar un cambio al transformarlas en una serie de conchas marinas creadas digitalmente que simbolizan la belleza y la limpieza marina, y una colección de objetos producidos mediante impresión 3D.

«El plástico es un importante contribuyente a la contaminación de los mares. Sin embargo tendemos a olvidarnos nuestra dependencia del mar, crucial para el suministro de alimentos y oxígeno. Queremos darle una segunda vida al plástico», dicen Panos Sakkas y Foteini Setaki, fundadores de The New Raw.

Los diseñadores fueron acompañados por el documentalista Daphne Matziaraki, quien creó un cortometraje que revela cómo el plástico marino puede convertirse en la materia prima para una nueva economía circular. El cortometraje se puede ver en vimeo.com/255920370.

Para transformar las redes en materia prima para el proceso de impresión 3D, los diseñadores las clasifican de acuerdo con diferentes tipos de materiales: redes, cuerdas, flotadores y pesos. Como siguiente paso, se procesan y se extruyen en filamentos coloridos y texturados para la impresión 3D.

El proyecto estudió cinco especies comestibles de conchas marinas mediterráneas protegidas. Las superficies texturizadas están inspiradas en patrones que emergen en la capa externa de concha.

Dar una segunda vida a los desechos plásticos es una emergencia global abordada por The New Raw para mejorar el ambiente, impulsar economías locales y crear valor a través del proceso de reciclaje.

El Partenón encara una larga restauración y vuelve a pedir sus piezas a Londres

El Consejo Arqueológico Central del Ministerio de Cultura griego autorizó la restauración de partes de la cámara central del Partenón. Esta estancia, conocida también como cella o naos, era la parte sagrada del templo, donde se guardaba la estatua al que estaba dedicado. En este caso, la diosa Atenea.

Tras aprobarse la intervención, que se realizará a lo largo de los próximos 15 años, la secretaria del Ministerio de Cultura, María Andreadaki-Vlazáki, aseguró que se recuperará parte de la geometría del edificio y su identidad, lo que permitirá al tener “una mejor comprensión de su arquitectura”. Para la reconstrucción se utilizarán 360 sillares originales que se hallaban dispersos. Se añadirá mármol de Dioniso, un tipo de piedra parecida a la original.

El proyecto habla de la recuperación de la cámara interior y varias voces apuntan a recuperar también el friso interior que recorría el muro de esa sala, el cual estaba intacto hasta que el británico Lord Elgin separó las partes más preciadas y se las llevó a Londres, donde acabaron en el Museo Británico, donde ocupan una de las salas más visitadas

Grecia ha pedido a las autoridades británicas que “libere” los mármoles del Partenón de su “oscura prisión”. “Pedimos el retorno para que el Partenón pueda volver a simbolizar para el hombre y la humanidad lo que el arte humano y es civilización pretendía”, explican las autoridades griegas.

El presidente Pavlopoulos ha añadido que “dejemos que el Museo Británico haga una comparación entre el museo de la luz, que es la Acrópolis, y los cuarteles neblinosos de su museo, donde conservan las esculturas como botín del saqueo de Lord Elgin”.

No es la primera vez que los griegos hacen esta solicitud. Los británicos, entre tanto, responden una y otra vez a la petición mencionando que adquirieron los mármoles “de forma legal” al imperio otomano

Torres de Viñoly desatan una polémica en Punta del Este

El empresario italiano Giuseppe Cipriani y el arquitecto Rafael Viñoly lideran el grupo que tiene como objetivo la reconstrucción del hotel San Rafael de Punta del Este, para desarrollar en el lugar el mayor complejo de lujo de América del Sur. En las casi tres hectáreas, sobre la Playa Brava, se levantará “Casa Cipriani San Rafael”.

“Proponemos con Cipriani que Punta del Este se transforme en la nueva Cannes del mundo”, explicó Viñoly. Cipriani es una de las más poderosas marcas internacionales de gastronomía y entretenimiento del mundo, con establecimientos en Nueva York, Mónaco y otros lugares.

El proyecto contará con tres edificios, uno de ellos con un mirador a 300 metros de altura. Incluye un teatro, piscinas y fuentes. También sumará residencias de apartamentos, casino privado y centro de convenciones.

Será el segundo más alto de América del Sur, detrás de la Gran Torre de Santiago de Chile (300 metros), y por encima del Alvear Tower de Buenos Aires (230 metros).

La inversión demandará 400 millones de dólares, la construcción de 123 mil metros cuadrados y la reparación del histórico hotel San Rafael, de estilo Tudor.

Pero semejante proyecto no podía pasar así como así. La controversia se inició por el rascacielos de 300 metros de altura que, se dijo, irrumpía el edificio histórico, construido en la década de 1940, y la escala en este tipo de paisaje.

Viñoly admitió entonces que su proyecto “necesitaba un período de digestión importante”.

“Lo que se está proponiendo es un disparate”, mencionó el arquitecto William Rey, vecino del lugar, quien presentó un recurso de amparo para frenar el proyecto con el apoyo de la Sociedad de Arquitectos. Pero su reclamo fue rechazado por la justicia y además los inversores lo demandaron por daños en la imagen de la marca y pérdidas de ventas por la situación.

Las obras, entre tanto, avanzan y crecen frente al mar.

Un museo para la humanidad

El arquitecto Daniel Libeskind reveló su diseño para el centro dedicado a la investigación y la exploración de más de dos millones de años de historia humana. También mostrará el trabajo de Richard Leakey, renombrado paleoantropólogo, conservacionista y político keniano, desarrollado a lo largo de su vida, descubrimientos fósiles que han ayudado a revelar la historia de la evolución.

Libeskind trabajará con arquitectos kenianos que supervisarán el diseño y la construcción. El museo surgirá desde el paisaje del valle del Rift, donde Kamoya Kimeu, miembro del equipo de Leakey, hizo el descubrimiento del esqueleto humano más completo encontrado hasta ahora.

Descrita como una estalactita vertical, las formas monolíticas del museo se inspiraron en antiguos hachas de mano, primeras herramientas de los humanos.

En el interior albergará espacios de exhibición interactivos, “dinámicos y provocativos” que “realzarán y animarán” los artefactos, dijo Libeskind.

“Ngaren es un llamado a la acción. A medida que observamos el registro fósil de especies extintas, muchas de las cuales prosperaron por mucho más tiempo de lo que es probable que lo haga la especie humana, se nos recuerda nuestra mortalidad”, señaló Leakey.

Libeskind y Leakey también lanzaron una campaña crowdfunding, de financiación colectiva para la obra, que ha recaudado $ 4.06 millones de dólares de un objetivo de $ 7 millones. Está programado que comiencen las obras en 2022 y sea abierto en 2024.