Marzo 2020 - Año XXX
Noticias y Novedades

Dibujos para un almanaque

La Sociedad Central de Arquitectos organizó, como cada año, un Concurso para seleccionar los dibujos que ilustran el

CALENDARIO SCA 2020, en formato digital.

El Concurso se planteó para quienes dibujan, en cualquier técnica, con el fin de estimular su práctica, promoverla y difundirla.

Cada mes tuvo un ganador, por caso, enero: “La Línea que piensa”, Arq. Nicolás López; febrero: “Hormigoneando bajo la lluvia”, Arq. Ramón Diego Dodero; marzo: “Edificio Altamira”, Arq. Nicolás López, abril: “Se busca”, Arq. Karla Montauti; mayo: “De espaldas al río”, Arq. Fernando Montero; junio: “Edificio Los Eucaliptos”, Arq. Ramón Diego Dodero; julio: “Villa Blosset”, Arq. Carlos Marcial; agosto: “30 años es mucho”, Arq. Víctor Ramos Pezzi; septiembre: “Vínculos rotos”, Arq. Karla Montauti;

octubre: “Pampa húmeda y ciudad”, Srita. Paula Lesch; noviembre: “30 años no es nada”, Arq. Víctor Ramos Pezzi y diciembre: “Crecen desde el pie”, Arq. Carlos Marcial.

Al concurso se presentaron 132 trabajos, 96 a través de la plataforma Google Drive y 36 en forma presencial.

Todos los trabajos se pueden ven en: http://socearq.org/2.0/2019/10/31/concurso-de-dibujos-para-el-calendario-2020/

Una estancia en la Patagonia

En el paraje de Puente Blanco, en la Patagonia, próximo a la frontera sur con Chile, se ubican unas atractivas instalaciones ganaderas, renovadas por Richter Dahl Rocha architectes, firma con oficinas en Lausana y Buenos Aires.

La Estancia Morro Chico fue levantada por un inmigrante escocés que, a finales del siglo XIX, participó en ‘el gran arreo’, el viaje en el cual cerca de 5.000 ovejas recorrieron más de 2.000 kilómetros desde la pampa húmeda a las grandes extensiones que el gobierno cedía a los colonos.

Sus descendientes encargaron a RDR architectes la remodelación del complejo destinado a la producción de lana y carne, que incluye nuevas construcciones, un cobertizo para esquilar ovejas, un galpón para maquinarias, viviendas para el personal y huéspedes y una casa familiar.

Inspirado en la tradición constructiva local, el conjunto es simple y austero, y se diluye en el desierto, siguiendo el modelo de aldea compacta en el cual las construcciones utilitarias y las viviendas se agrupan para mitigar la dureza del clima. Todo se agrupa como un pequeño poblado alrededor de una plaza, cerrado e íntimo.

Las instalaciones están fragmentadas en el núcleo principal y dos puestos. Los volúmenes son prefabricados de madera y metal, revestidos con chapas onduladas, y se desarrollan como variaciones formales del galpón, desde la simpleza de la nave para esquilar hasta las formas más complejas de la casa familiar. La madera predomina en esta casa y va disminuyendo su presencia a medida que aumenta el carácter utilitario de las construcciones.

Una bandera que simboliza contaminación

La instalación Western Flag (en Spindletop, Texas), del artista irlandés John Gerrard, ha conmovido a propios y ajenos en el patio del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, presentada con el inicio de la Conferencia de Naciones Unidas para el Cambio Climático.

“Western Flag es un objeto de carbono para un mundo en llamas, un monumento para un siglo de consumo. Muestra el riesgo potencial que representa el CO2 en una imagen, una manera de representarlo políticamente”, explica el autor.

Se trata de una simulación realista de una bandera compuesta por una emisión ininterrumpida de hileras de humo negro, una suerte de mástil situado en una réplica perfecta a tiempo real de una salina en Spindletop, Texas, el lugar en el que se erigió el primer yacimiento petrolífero a principios del siglo XX. El Dióxido de Carbono resultado de las emisiones de la quema de petróleo todavía existe hoy en día.

Para Gerrard, esta “bandera negra” de humo es un símbolo del voraz consumo de energía, un recordatorio de la agresión ambiental dirigida a la biosfera. “Una violencia indefinida, oscura y creciente que es casi imposible capturarla en imágenes. Una violencia cuyo efecto sufrirán las generaciones venideras”, menciona.

Álvaro Siza y sus lentes-edificios

No son pocos los arquitectos que han sido contratados por grandes firmas de muebles, accesorios, joyas y zapatos, entre otros elementos, para que diseñen líneas de sus productos. En general, el resultado genera elementos que se asemejan a los edificios que caracterizan a cada profesional. Ahora fue el turno del portugués Álvaro Siza, contratado para diseñar una línea de lentes para el sol.

L’Atelier Óptica, es una óptica de Madrid con la que han querido crear un lugar único, con gafas exclusivas de diseño independiente, hechas a mano, modernas y con sofisticación.

Ahora ha recurrido a uno de los arquitectos más prestigiosos del planeta, Siza, lo que ha dado como resultado una colección de gafas de verano, la “capsule collection”.

Imaginadas como edificios, la propuesta mezcla el glamour de la década de 1930 y rigor intelectual, “consiguiendo que se integren en la cara como un paisaje”. Las gafas, por ser un objeto rígido, deben ajustarse perfectamente a la cara, buscando convertirse en una parte mecánica del cuerpo. Fueron presentadas como futuristas, conceptuales y atemporales.

Para el arquitecto portugués “todo es arquitectura” y su colección, además de cumplir con su función óptica o ser un protector solar, es una declaración estilística.

Álvaro Siza nació en Matosinhos, en 1933. Ha sido profesor en la Escuela Politécnica de Lausana y la Escuela Superior de Diseño de Harvard. En 1992 recibió el premio Pritzker, que se sumó al de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe, Praemium Imperiale, Leone d'Oro - Bienal de Arquitectura de Venecia y Medalla de Oro del RIBA, entre otros.

Wink Chair, una silla que te mira

Pocos mobiliarios admiten tantas variantes de diseño como las sillas.

El estudio de diseño Masquespacio presentó ahora la silla Wink, una propuesta distinta, extravagante y desafiante.

La silla, entre surrealista y sugerente, tiene en su respaldo una especie de ojo que parece que fuese a guiñarse. Está construida con una estructura de tubo de hierro curvo robusto de 20 mm bañado en oro de 24 quilates.

Diseñada con tres patas, tiene el asiento y el respaldo realizado con tablero de MDF (aglomerado de madera de alta densidad) acolchado con espuma y tapizado con terciopelo. Al respaldo se le han añadido flecos del mismo color que el asiento.

“Mira con disimulo, con sutileza y suavidad. Mira con sigilo, de reojo y llena de delicadeza mientras baila al ritmo de la música moviendo sus flecos de lado a lado”, señalan los autores.

Masquespacio, consultoría creativa, ha sido premiada con el premio “Massimo Dutti New Values de Architectural Digest Spain” y el “Wave of the Future de Hospitality Design USA”. Trabajan en Noruega, Alemania, Portugal y Estados Unidos.

Curvas para un edificio en Unicornio

La firma Zaha Hadid Architects ha dado a conocer las primeras imágenes del sinuoso centro de exposiciones cerca de completarse en la Isla Unicornio, en Chengdu, China.

Será el primer edificio en completarse en el plan maestro de la isla, en la costa del lago Xin Long.

La isla se está desarrollando para apoyar el crecimiento de los sectores de tecnología e investigación de China, atendiendo a empresas con un valor de mil millones de euros.

Con la economía de China evolucionando a organizaciones basadas en Internet y tecnología, el país alberga un tercio de las nuevas empresas tecnológicas del mundo, llamadas “compañías unicornio”.

Con un plan maestro de uso mixto para 70.000 investigadores, personal, residentes y visitantes, la isla ha sido diseñada para mejorar el bienestar de esa comunidad.

Los planes para las 67 hectáreas de la isla se revelaron en 2018, cuando la firma holandesa OMA presentó el plan maestro del lugar. Zaha Hadid Architects ahora ha revelado esta obra, que se distingue por el reconocible estilo sinuoso característico del estudio.

Cuando el plan maestro llegue a su fin, formará parte de una serie de edificios visualmente similares dispuestos en “grupos” alrededor de una plaza central y una estación de metro.

Chengdu se ha convertido en un centro que proporciona chips para la mitad de las computadoras portátiles del mundo y es un productor líder de hardware de computación móvil.

Los puentes y el diseño

El estudio madrileño Burgos & Garrido Arquitectos ha resultado ganador del concurso internacional para el diseño del puente peatonal sobre el río Miño, entre Tomiño, en España, y Vila Nova de Cerveira, en Portugal. Como ocurre desde hace tiempo en este tipo de obras, el puente es un atractivo equipamiento urbano donde el diseño, las formas, los colores y los materiales tienen mucho que aportar.

El proyecto de Burgos & Garrido con Bernabeu Ingenieros, titulado "Una línea sobre el Miño", propone un puente peatonal colgante de directriz recta, de 330 metros de largo en un único vano, y 9,20 metros de gálibo.

Su ligereza permite preservar las ecologías de las orillas del río. La estructura vertical está compuesta por dos apoyos de acero en las riberas, lo que ha permitido elegir una estructura horizontal con un tablero extraordinariamente esbelto, suspendido del cable principal -dos elementos de 200 mm de diámetro-, con dos tirantes de 30 mm de diámetro ubicados cada 12 m.

La condición asimétrica del río en el sentido de su movimiento ha determinado el trazado y la estructura del puente. Su geometría de doble curvatura hace de su travesía una experiencia en la que el paisaje, siempre variable, se abre hacia el Atlántico, al sur, y al valioso patrimonio histórico, al norte.

Su uso peatonal y ciclista permite emplear una estructura más audaz, luces mayores y un planteamiento estratégico en el que la experiencia del cruce y la relación con el paisaje son determinantes.

La traza se “arquea” para premiar las vistas, convirtiéndose en una línea tensa ligeramente curva, casi invisible en el paisaje. La obra tuvo un presupuesto de 3,5 millones de Euros.

Una buena caja de escaleras

DUNAR arquitectos realizó el proyecto de adaptación de un antiguo colegio construido en 1929, en Losar de la Vega, Cáceres, España. El colegio estaba segregado por sexos y el acceso a las aulas se hacía por escaleras diferentes.

El proyecto tiene dos intervenciones: la primera integra el núcleo vertical existente en uno solo, unificando las diferentes aulas; la segunda dota al edificio de una nueva escalera que cumple con la normativa contra incendios.

Esa escalera aparece contenida en un elemento exento, con estructura de hormigón y una sencilla celosía cerámica blanca que contiene una serie de aberturas que abren visuales al paisaje.

El proyecto reorganiza la escalera existente para que las tres plantas del colegio queden conectadas sin tener que salir del edificio. El núcleo de comunicación exterior resuelve los problemas de evacuación.

Ese nuevo volumen exterior, que se separa de la edificación existente, se formaliza con una estructura de hormigón con pilares apantallados que se cubre con una piel cerámica.

Se opta por simplificar la elección de materiales: hormigón para la estructura, acero galvanizado para las barandillas y ladrillo cerámico como cerramiento.

La piel cerámica tamiza la luz y define el ámbito, pero no es un elemento que delimite claramente un espacio interior y un exterior. Esta dualidad también se da en la elección de los materiales, donde ante la rotundidad del hormigón aparece la ligereza del ladrillo.

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Las calles y los sube y baja

El estudio canadiense Lateral Office ha instalado 12 sube y baja (balancines) de gran tamaño que se iluminan y emiten sonidos en las calles del Distrito Garment de Nueva York.

Su presencia alienta a los visitantes a montar las piezas, que varían en longitud de 4,8 a 7,3 metros. El movimiento activa luces para intensificar y emitir sonidos musicales.

“El instrumento urbano crea una experiencia emocionante y lúdica, en la que los visitantes se convierten en músicos y artistas a través de una serie de balancines iluminados que responden y se transforman cuando se ponen en movimiento”, dijeron los responsables de la organización que tuvo a cargo la realización del proyecto.

Cada balancín presenta una cubierta de policarbonato transparente y un difusor de luz que revela las bombillas LED insertadas en su interior. Para activar la instalación, cada persona monta un extremo y agarra el mango de metal.

Cuando un lado toca el suelo, las luces se encienden y brillan a través de la cubierta transparente. Cuando no están en uso, se estabilizan, se equilibran horizontalmente y emiten un brillo tenue.

Los altavoces conectados dentro de cada balancín individual reproducen la variedad de sonidos musicales a medida que la pieza se mueve hacia arriba y hacia abajo. Los ruidos son aleatorios y crean una composición que siempre es diferente.

“La composición crea una onda dinámica de luz y sonido, animando e iluminando las plazas peatonales”, agregó la Alianza del Distrito Garment.

La partitura musical fue creada con el diseñador de sonido Mitchell Akiyama y el estudio de diseño electrónico Robocut.

Wikipedia contrata arquitectos para mejorar su imagen

La Fundación Wikimedia -organización sin ánimo de lucro que gestiona Wikipedia- se ha asociado con el estudio noruego Snøhetta para crear una nueva identidad visual.

La colaboración explorará cómo la marca estratégica y el diseño digital pueden influir en el compromiso de promover el intercambio de conocimientos interculturales.

“Snøhetta viene desarrollando soluciones de diseño socialmente sostenibles que promuevan un sentido de propiedad colectiva y compromiso con la vida pública, desarrollando identidades de marca sólidas y visuales que trascienden las geografías de los usuarios y unen a las personas”, señalan los responsables del portal.

Desde 2001, Wikipedia se ha convertido en la enciclopedia pública de Internet. Más de 1.500 millones de dispositivos únicos acceden al contenido cada mes. Tiene más de 50 millones de artículos, todos de libre lectura, uso y modificación, disponibles en 300 idiomas.

Snøhetta es una oficina que integra arquitectura, paisaje y diseño, con sedes en Oslo, Noruega y Nueva York. La empresa, que lleva el nombre de una de las montañas más altas de Noruega, trabaja a partir de un enfoque de colaboración con personas de múltiples profesiones para explorar diversas perspectivas según el proyecto.

Es la única empresa que ha ganado dos veces el World Architecture Award al mejor edificio cultural: en 2002 por la Biblioteca de Alejandría y en 2008 para la Ópera de Oslo.

Los molinos que se pierden

Nuestro país no es el único que pierde su patrimonio industrial en el mundo. Por estas horas trascendió la lucha que llevan adelante cientos de pueblos de Canadá por salvar y preservar sus emblemáticos molinos harineros, considerados verdaderos “castillos de la pradera” que se recortan, emblemáticos, en el paisaje rural de ese país.

Un ejemplo es el pequeño pueblo de praderas de Andrew, que cuando su último elevador de granos estaba programado para ser demolido en 2000, luchó para ganar una suspensión de la ejecución, reconvertirlo con otro uso y preservarlo, al menos hasta ahora.

Durante casi un siglo, la torre de madera surgía del paisaje ondulado como un centinela solitario. Construido durante el auge agrícola de principios del siglo XX, el elevador, y otros seis que estaban cerca, daban testimonio de la prosperidad de la ciudad.

Como las estructuras más altas en los vastos paisajes, eran visibles desde kilómetros de distancia y eran conocidos como “castillos de pradera” o “catedrales de pradera”.

Detrás de sus simples fachadas de madera había una compleja serie de cuerdas, toboganes y poleas para transportar y almacenar granos. En la década de 1930 había casi 6.000 torres en el país; ahora quedan menos de mil. La destrucción refleja el declive de las comunidades rurales.

“Hay una sensación, en muchas de estas ciudades, de que si no tienen un elevador de granos, su sentido de identidad y comunidad ha desaparecido”.

El valor de estos edificios, además de lo identitario y tradicional para cada pueblo, es que se trata de una arquitectura utilitaria que llamó la atención de los arquitectos de principios del siglo XX, que entendieron que en este tipo de construcciones estaba el verdadero lenguaje arquitectónico de los tiempos modernos.

Cierra la mítica escuela de arquitectura de arquitectura de Frank Lloyd Wright

La Escuela de Arquitectura de Taliesin, en Spring Green, Wisconsin, Estados Unidos, que el arquitecto norteamericano Frank Lloyd Wright (1867-1959) estableció hace casi 90 años, cerrará en junio próximo, luego de no llegar a un acuerdo financiero para su sostenimiento con la Fundación Frank Lloyd Wright.

Los directivos de la escuela explicaron que se vieron obligados a tomar la “decisión desgarradora” de cerrar sus dos campus en Scottsdale, Arizona, y Spring Green, Wisconsin, mientras que sus patrocinadores calificaron la medida de “trágica”.

Dan Schweiker, presidente de la junta directiva, dijo que hicieron “todo lo posible por su supervivencia”, pero no pudieron llegar a un acuerdo con la Fundación, propietaria de los campus.

“El cierre es muy emotivo para todos los que trabajamos para esta institución, única en su tipo, y su importante papel en el legado de Wright”, dijo Schweiker.

Wright, considerado uno de los arquitectos más importantes del siglo XX, estableció la escuela en 1932 para enseñar la beca Taliesin, que permitió que entre 50 y 60 estudiantes estudiaran con el arquitecto.

“Nuestra escuela fue innovadora y su misión fueron parte de la visión de Wright para conectar la arquitectura con nuestro mundo natural”, dijo Schweiker.

Los 30 estudiantes que actualmente cursan en la escuela podrán transferir créditos y completar sus programas de grado con en el Instituto Herberger de Diseño de la Universidad estatal de Arizona.

Wright diseñó la estructura de Taliesin en 1908. El diseño fue consistente con los principios de las casas de la pradera, emulando la planitud de las llanuras y los afloramientos de piedra caliza.

En 1927, los problemas financieros causaron su ejecución hipotecaria y Wright pudo readquirir el edificio en 1928. Fue su hogar por el resto de su vida. Muchos de sus aclamados edificios fueron diseñados aquí, incluyendo Fallingwater, la Sede de la Johnson Wax y el Guggenheim Museum.

Tras su muerte en 1959, Taliesin pasó a la Fundación Frank Lloyd Wright. El edificio es principalmente un museo; sin embargo, todavía está ocupado por los estudiantes de la Escuela de Arquitectura.

Un hospital con técnicas del siglo XIX

El mundo se conmovió con la aparición del coronavirus en China, y también por la concreción de un mega hospital, construido y entregado para su uso en apenas diez días. El Wuhan Volcan buscó dar respuesta a la alerta sanitaria y su construcción se ha tomado como ejemplo de tesón y poderío.

Sin embargo, muchos especialistas aseguran que no hay nada novedoso en el sistema constructivo utilizado ni es ningún prodigio de la tecnología. “Han reproducido la técnica norteamericana de construcción. Los chinos son expertos en imitar y acortar tiempos”, asegura el arquitecto Ramón Araujo, director del Máster de Construcción y Tecnología en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. “Lo que es admirable es su empuje, su vitalidad y su capacidad de organización. Pero no hay ninguna innovación”, afirma.

El Hospital Wuhan Volcan, de 25 mil metros cuadrados, ha sido levantado siguiendo el modelo del Hospital de Xiaotangshan, que se construyó en siete días durante la epidemia de SARS de 2003. Para ello, docenas de grúas han trabajado día y noche junto con miles de obreros montando piezas.

“Nunca hemos visto tantas máquinas y tan próximas: un ejército de excavadoras, que tienen que seguir instrucciones muy precisas, como en una coreografía”, señaló el catedrático.

Lo que hicieron los trabajadores fue unir con tornillos cientos de estructuras metálicas prefabricadas. Es posible levantar un piso cada día, colocando los módulos que vienen completamente montados, con sus ventanas y sus instalaciones.

Se trata de una técnica basada en la industrialización y la fabricación, y que no es ajeno al mundo occidental. “Cada grúa corresponde a un equipo de trabajo, que seguramente construye una parte del edificio como si fuera independiente: en realidad, construyen muchos edificios pequeños a la vez”, agrega.

Los módulos de la estructura son ligeros, paneles metálicos inyectados con espuma aislante.

Precisamente la velocidad en la construcción fue lo que impulsó la renovación hacia la arquitectura moderna. En el siglo XIX, con las nuevas estructuras de acero se redujo drásticamente el tiempo de ejecución de los edificios. Este nuevo ritmo se había anticipado en las exposiciones universales, que construyeron en tiempos récord a base de elementos prefabricados obras como el Palacio de Cristal, en Londres en 1851, y la Torre Eiffel, en París en 1889.

Con la crisis del petróleo de los setenta, la industrialización de la construcción perdió fuerza. Además, la construcción es importante para el trabajo y construir rápido reduce el empleo.

Nouvel en Roma, con las cicatrices a la vista

La nueva sede de Fondazione Alda Fendi es el primer proyecto del arquitecto francés Jean Nouvel en Roma. Una renovación histórica del edificio frente a la iglesia de San Giorgio, en Velabro, el barrio donde los fundadores de la mítica ciudad -los gemelos Rómulo y Remo- fueron descubiertos en una cesta en una orilla del Tíber.

El edificio está adyacente al Arco de Janus, cerca de los Foros Imperiales. Esa ubicación, más la antigüedad del edificio, hacen que la intervención se concentre en conjugar lo existente con lo moderno, sin que cada cual resigne sus características.

Nouvel renovó el complejo de seis pisos y 3.500 metros cuadrados, tres edificios de viviendas contiguos, erigidos entre el siglo XVII y XIX, llamados Rhinoceros, cuyo nombre alude a la estatua de resina que se encuentra fuera del edificio, simbolizando la historia imperial.

La sede se encuentra en uno de los lugares más ilustres de la historia: los edificios tienen una visión de la colina del Palatino y vistas panorámicas de Roma.

“Me gusta comenzar con un edificio que ha vivido y que vivirá de nuevo, pero de manera diferente. En el interior, tendrá una nueva vida electrizante”, comenta Nouvel y añade: “Trabajamos comenzando con cada grieta, con cada ventana, con cada material. No rehabilitas: habilitas un edificio dándole un estado que de otro modo no tendría”.

Nouvel identificó cada capa histórica y realizó un estudio detallado de la construcción. Se aseguró de que las diferencias entre los elementos existentes y los nuevos se mantuvieran reconocibles.

Además de galerías y tiendas, el edificio alberga un hotel de 24 suites y en la azotea un restaurante.

Sobre las fachadas se ha guardado todo lo que atestigua el paso del tiempo, para resaltar las diferentes estratificaciones arqueológicas y permitir que las personas descubran un edificio que ha dejado de envejecer, sin recurrir a la cirugía estética.

Los cambios sustanciales se han realizado principalmente en el interior. Se imprimieron revestimientos fotográficos en las persianas, mostrando los apartamentos como estaban antes de comenzar el trabajo. Estas fotos crean instalaciones que captan la luz natural como reflectores.

Los toques de modernidad se acentúan mediante accesorios esenciales de vanguardia. Estos objetos son bloques de acero inoxidable, que proporcionan un contraste con las paredes moteadas, cuyas pátinas son revelaciones de las diferentes capas de pintura y yeso, una interpretación escultórica del paso del tiempo y el proceso de sedimentación.

La obra deriva, explica Nouvel, en una feliz confrontación entre diferentes épocas. Una reunión entre dos mundos, entre las huellas de los monumentos más nobles y más sagrados de la antigüedad y estos modelos de edificios domésticos vivos y vibrantes.

Una casa apilada

La Casa Haffenden, en Syracuse, Estados Unidos, es un estudio con un garaje -a nivel de suelo-, una biblioteca y un espacio para la escritura -en el segundo nivel-, y una sala de lectura curva en el tercero. El proyecto se encuentra dentro de un contexto sub-urbano y hace referencia al proyecto “Ice House” de Gianni Pettena (1972), como un espacio blanco en medio de la imagen repetitiva de la casa tradicional.

En el patio trasero, una solución de cortina permite controlar su relación de privacidad con su contexto. El estudio utiliza una tela de silicio traslúcido para generar una habitación iluminada, sin la distracción visual de los suburbios.

Dentro de la caja, entre el segundo y tercer nivel, se utiliza una división en forma de cuenco, maximizando la luz indirecta para el segundo piso y evitando cualquier forma de asociación con el paisaje en el tercero.

Hormigón con ceniza, a la usanza de los romanos

La firma japonesa Atelier Tekuto se ha especializado en el desarrollo de nuevos métodos de construcción para casas. Cuando una pareja de mediana edad le pidió “una pieza desafiante de arquitectura amigable con el medio ambiente”, inventó un material de concreto renovable para la denominada Casa en Tokio.

En lugar de utilizar arena como agregado fino, el hormigón, al que llamaron Shirasu, utilizó ceniza volcánica producida por una corriente de gas y roca de rápido movimiento, conocida como flujo piroclástico. Se trata de un recurso natural abundante en la isla Kyushu. “La arena de río es escasa en Japón, mientras que el uso de arena de mar en la construcción está a punto de ser prohibido. El hormigón Shirasu puede aportar grandes beneficios”.

La firma se asoció con expertos de la Universidad de Tokio y experimentó durante un año con la composición del concreto para obtener las aprobaciones gubernamentales.

La mezcla, sin embargo, no es novedosa. Los constructores del Imperio Romano usaron cenizas de flujos piroclásticos en sus estructuras, incluso en la cúpula que corona el Panteón, en Roma.

Yamashita afirma que el concreto es amigable con el medio ambiente y su alta densidad, capacidad de absorción y reacción puzolánica (que le da las propiedades del cemento) lo hacen fuerte y duradero.

Los beneficios de Shirasu se comparten en una plataforma digital llamada Red Regional de Utilización de Materiales (RMUN) con la esperanza de que ayude a “desarrollar y revitalizar regiones en Japón y en cualquier nación volcánica”.

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