El sitio de la construcción del sur argentino

Mayo-Junio 2018 - Año XXVII
Noticias y Novedades

Ladrillos metalizados que iluminan una villa

Las piezas metalizadas del diseñador francés Nathanaël Abeille, que trabajó junto con el arquitecto Francisco Ribero y la comunicadora Cecilia Fortunato, buscan resolver cómo un edificio podría reflejar la luz solar y compartirla sobre los estrechos espacios de la Villa 21, de Buenos Aires.

Proyecto Reflexión nació en 2013, cuando Abeille llegó de Francia luego de trabajar en la oficina del arquitecto Jean Nouvel.

Durante los 6 meses que estuvo en el país desarrolló, en colaboración con un especialista en grabado sólido, un proceso de metalizado en los ladrillos comunes que, expuestos a la luz solar, producen una reflexión, con el objetivo de distribuirla en sitios de sombra.

La inquietud de Abeille por la luz comenzó en París, mientras vivía en un pequeño departamento, carente de luminosidad natural, que iluminaba cuando una vecina abría su ventana y arrojaba una reflexión solar sobre el living.

A partir de ese momento comenzó a imaginar cómo un edificio podría reflejar la luz y compartirla.

En 2016 comienza a trabajar con Ribero y Fortunato, quienes colaboraban en la construcción de comedores comunitarios en la Villa 21. La estrechez de los pasillos en el barrio y la falta de iluminación natural fue el puntapié inicial para una primera instalación.

Los ladrillos fueron pensados como una nueva opción constructiva. Ideales para distribuir la luz solar, tanto en interiores como en patios y jardines.

Un material que, además de ser funcional, encierra una visión poética de invertir el sentido Norte-Sur del curso natural del sol.

La Torre Eiffel: la magia renovada

A partir del próximo otoño, el monumento parisiense será objeto de una nueva campaña de restauración, la más extensa en sus casi 130 años de historia.

El proceso debería prolongarse durante casi cinco años, con una inversión de 40 millones de euros. La rehabilitación tiene un doble objetivo: aplicar 60 toneladas de pintura a la superficie, parcialmente oxidada y con un riesgo de torsión, y proteger su perímetro ante la amenaza terrorista. “Vamos a hacer entrar el lugar en el siglo XXI”, expresó Anne Yannic, directora de la sociedad pública que gestiona el monumento pago más concurrido del mundo, que en 2017 recibió a 6,2 millones de visitantes

Repintar la superficie es una condición imprescindible para garantizar su supervivencia, ya que protege la estructura de la oxidación, la contaminación y los efectos del sol y del viento.

Desde 1889, la torre ha sido pintada en 19 ocasiones. Pero, a base de superponer capas de acrílico, el grosor de su superficie ya supera los 3 milímetros, con una masa acumulada de 350 toneladas, sobre las 10.000 que pesa el monumento

La restauración empezará con un decapado de los viejos estratos. “Es una operación compleja, pero necesaria. Cuando el hierro se oxida, las láminas de metal se desprenden progresivamente y la estructura pierde resistencia. Si no se hiciese nada, dentro de algunas décadas la torre se desplomaría”.

Otro problema es que la pintura aplicada anteriormente contiene plomo, cuyo polvo resulta nocivo. La sociedad que gestiona el monumento fue condenada en 2016 por no haber alertado respecto a los elevados niveles de plomo, que superan 21 veces los estándares aceptados.

La nueva mano de pintura podría ser la ocasión para practicar un cambio de color y dejar atrás la actual tonalidad en marrón oscuro y mate. La opción estaría siendo estudiada.

El color original que escogió Eiffel fue el rojo Venecia. Fue ocre a partir de 1892, amarilla desde 1899, de color mostaza hasta 1954 y granate hasta 1968. Fue entonces cuando se escogió el actual matiz pardo de triple degradado, más oscuro en la parte inferior que en la superior, para acentuar su punto de fuga.

La otra gran novedad será el nuevo muro de cristal antibalas, de 3,24 metros de altura y 65 milímetros de grosor, que se instalará en la fachada norte y sur de la torre para reforzar la seguridad.

Edificio Intuit Marine Way

A medida que Silicon Valley —el sitio al sur de California que aloja a un gran número de las mayores corporaciones de tecnología del mundo— evoluciona, el nuevo Marine Way Building (MWB) de Intuit modela un nuevo diseño de lugar de trabajo, centrado en el hombre y la mentalidad urbana, anticipando un patrón de desarrollo sostenible, mientras proporciona un lugar cálido.

Intuit es una empresa que desarrolla software financiero, contable y de preparación de impuestos y servicios para pequeñas empresas e individuos. La compañía tiene su sede en Mountain View, California, y oficinas en Reino Unido, Australia, Francia, Singapur, India, Brasil, Canadá e Israel.

Con su nuevo edificio buscó honrar a sus empleados con entornos de trabajo que respalden su “fuerte cultura y su ambiciosa misión para impulsar la prosperidad”.

WRNS Studio y Clive Wilkinson Architects trabajaron para desarrollar dos edificios de oficinas, acordes a un plan maestro de 2010, que representan adiciones al campus que Intuit desarrolló en la década de 1980.

La planificación, con 18 mil m2 de superficie cubierta en cuatro plantas, puede entenderse como amplia, conectada y flexible, una estrategia que aborda las necesidades programáticas y de colaboración específicas de los empleados.

Las grandes placas del piso están organizadas en barrios humanos, unidas por una circulación clara. Cada escalera a lo largo del atrio se conecta a una gran "sala de estar", con funciones de despensa y un amplio espacio de trabajo.

Diseñado para acoger el clima templado de Mountain View, el MWB se conecta con la naturaleza y el ámbito público. Las terrazas, con vistas a la bahía, ofrecen una experiencia en el lugar de trabajo que fomenta el bienestar, al mismo tiempo que ayuda a unir el campus.

SeaSaw: a la búsqueda del mar

MVRDV —la oficina de Arquitectura y Urbanismo fundada en Róterdam en 1993 por Winy Maas, Jacob van Rijs y Nathalie de Vries— ha sido seleccionada por el municipio de Den Helder, en una competencia internacional, para crear un nuevo símbolo para la ciudad, que ayude a desarrollar un sentido de identidad y establecer una conexión entre la ciudad y el mar.

EL Seasaw, tal el nombre de la obra, es una instalación artística pública, ondulada, que responde a su contexto e historia y representa la dinámica del mar en su movimiento.

Den Helder se encuentra en el punto más septentrional de Holanda y es el hogar de la principal base naval del país. La ubicación lo convierte en un punto de observación significativo.

La obra respeta un dique existente y permite experimentar la ciudad y el mar desde una perspectiva completamente nueva.

El diseño responde a la falta actual de un símbolo distinguible, en una ciudad con un notable sistema de defensa contra inundaciones y un dique que corre desde las dunas hasta el puerto pero que bloquea las vistas al mar.

Seasaw marca el comienzo de la renovación y el redescubrimiento del dique y sus alrededores con esta propuesta.

Además del diseño, se introduce una ruta de senderismo y ciclismo de 5 km, a través del dique. Al activar el paseo marítimo, este sendero invita a escalar el dique y echar un vistazo al otro lado. En la unión de estas rutas, Seasaw se agrega en forma de un bucle que sirve como una plataforma de observación, hacia la ciudad y el mar.

Foster y una capilla para el Vaticano

La oficina del arquitecto británico Norman Foster, una de las más prestigiosas del mundo, ha presentado el diseño de la capilla que formará parte del debut de El Vaticano en la Bienal de Arquitectura de Venecia.

El Pabellón de la Santa Sede estará compuesto por diez capillas, diseñadas por diez arquitectos, y se emplazará en la isla de San Giorgio Maggiore, en Venecia. Entre los diseñadores están Foster, Eduardo Souto de Moura y Francesco Cellini.

La capilla de Foster comenzó con tres cruces simbólicas y una cubierta de madera, similar a una tienda de campaña.

A lo largo del proceso de diseño, el esquema evolucionó hacia una estructura de cables y mástiles revestidos con celosías de madera. La visión de los arquitectos era un lugar difuso y sombreado de contemplación silenciosa, enmarcando las vistas de la laguna adyacente.

“En una visita a San Giorgio Maggiore, cercano a la iglesia de Palladio, encontramos un espacio verde con dos árboles que enmarcaban la vista al lago. Era como un pequeño oasis en el gran jardín, perfecto para la contemplación. Nuestro objetivo es crear un pequeño santuario [...] alejado de la normalidad de los transeúntes, centrado en el agua y el cielo”, explicó Foster.

Los pabellones permanecerán abiertos hasta el 25 de noviembre de este año.

Walk Buenos Aires 2018: un festival de caminatas

Buenos Aires se suma nuevamente al festival global de caminatas urbanas Jane´s Walk.

La séptima edición del evento transcurre este mes, buscando fomentar la conexión entre el espacio urbano y los ciudadanos, para incentivar una ciudad más humana, activa y peatonal.

Jane´s Walk es un festival global de caminatas guiadas por voluntarios que exploran iniciativas cívicas inspiradas por Jane Jacobs, pionera en el movimiento de ciudades humanizadas.

Las caminatas gratuitas son organizadas con recorridos por diferentes barrios y diversas temáticas.

El objetivo es fomentar la conexión con la ciudad y la discusión abierta entre vecinos y ciudadanos, alentar a compartir historias, descubrir aspectos no vistos de las comunidades y caminar como una forma de conectar con el entorno y las personas.

El evento cuenta con más de 20 líderes de caminatas con diferentes temáticas y miradas: arquitectos, urbanistas, abogados, ambientalistas, sociólogos y fotógrafos, entre otros.

Urbanismo Vivo es un equipo multidisciplinario de consultoría urbana que organiza el evento. Su eje de acción se basa en aproximaciones sensibles al territorio mediante caminatas, talleres participativos, mapeos, urbanismo táctico, eventos culturales, docencia, investigación y discusión de noticias.

Una antigua central térmica toma vida

La antigua sala de calderas "Boiler House", con un proyecto de Atelier Hoffman, busca convertirse en el corazón de un futuro distrito artístico y cultural, en una relación con la artesanía tradicional y la innovación tecnológica y preservación de un magnífico edificio industrial.

Es otro proyecto que contribuye a la regeneración del antiguo polígono industrial de Šroubárna, cerca de Praga, que proporcionó empleos, un lugar para vivir y se convirtió en portador de casi 150 años de tradición en el campo de la producción.

La sala de calderas, junto con la joya industrial de Uhelný Mlýn (Fábrica de Carbón), es el comienzo del nuevo Valle en el meandro del río Vltava y representa un precedente para muchos otros sitios todavía ruinosos.

El conjunto industrial fue establecido en 1872. Influyó significativamente en el desarrollo de los municipios y ha dejado una marca en esta localidad, dándole un carácter y ambiente único. Más de 1600 personas vivían y trabajaban allí.

La sala de calderas se encuentra junto a la fábrica de molienda de carbón renovada, a la que estaba conectada. Se trató el proyecto con la idea rectora de preservar los edificios y evitar cualquier cambio significativo, a pesar de no ser posible devolverles sus funciones originales. La idea era encontrar un nuevo uso y, al mismo tiempo, preservar la arquitectura y el urbanismo.

No se hizo ningún cambio en la disposición espacial y el urbanismo. Entre la fábrica de molienda y la sala de calderas se construyó una calle peatonal que conduce hacia el río. El revestimiento de ladrillo se restauró con ladrillos originales.

Se definió el uso futuro del edificio como sala de exposición multifuncional para eventos culturales y sociales, con la ambición de convertirse en el corazón de las artes del futuro.

Más allá de toda descripción constructiva, es maravilloso ver como estos edificios industriales son recuperados y admiten nuevos usos, aportando además su inigualable aporte histórico.

Alambre para el arte

El artista italiano Edoardo Tresoldi, conocido por sus esculturas de malla de alambre, presentó su obra de arte más grande en el Festival de Música y Artes del Valle de Coachella en California.

Titulada “Etherea”, la instalación es el resultado de la investigación de Tresoldi en el campo de la música, con tres estructuras transparentes inspiradas en la arquitectura neoclásica y barroca, generando un “espacio donde se relatan el cielo y las nubes a través del lenguaje de la arquitectura clásica”.

La malla de alambre consta de tres estructuras, de 11, 16 y 22 metros de altura, y su transparencia permite que el paisaje penetre en el espacio mediante la malla que filtra y estructura la atmósfera interna.

“Con el paso de una macro realidad a una más restringida, el cuerpo humano se convierte en clave para leer, descubrir y experimentar la realidad, al igual que la arquitectura. Se establece una analogía entre el hombre, la arquitectura y su entorno”, explicó el autor.

El esquema encarna así el espíritu del festival, una obra de arte diseñada para expresar la naturaleza transitoria de las nubes y la majestuosidad del entorno natural.

Vestir la plaza

El carácter del espacio público condiciona la apropiación que de él hacen los ciudadanos.

El diseño que se ha desarrollado para la plaza de Sant Miquel de Olot, en Gerona, Cataluña, España, adopta un tinte doméstico, buscando que sea percibida como la estancia comunitaria del barrio. Con el mínimo costo, se establecieron las bases para que se convierta en el centro de la vida social, en un espacio inclusivo. Aplicando una capa selectiva de pintura, la intervención pone en valor la cualidad espacial, la geometría y los sistemas constructivos del lugar.

Coronamientos, estampados y alfombras otorgan ligereza, luminosidad y color a las paredes, partiendo de una misma modulación y reforzando la naturaleza textil del soporte.

Los motivos geométricos evocan actos que identifican el barrio, como el desfile de vestidos de papel, el baile de gigantones o los conciertos en la carpa.

El proyecto desarrolla una de las acciones del Plan de Rehabilitación Urbana, fruto de un proceso participativo. La pintura refuerza la identidad de la plaza y, por extensión, del barrio.

Casa con la roca elevada

Ubicada en Maharashtra, India, y con una superficie de 767 m2, se encuentra esta particular vivienda que, al decir de sus creadores, genera “una emoción al llegar a la cresta del sitio, un sentimiento de liberación, una extensión”.

La emoción se genera a partir de la roca de 4 toneladas, colocada y elevada en la punta de un voladizo de 6 metros.

El hogar se enfrenta predominantemente a tierras de cultivo, un embalse y tierras altas, testigo de atardeceres saturados de color.

Los espacios de uso cotidiano se ubican entre dos planos simples, enmarcando las vistas lo más limpiamente posible.

Otro plano se desliza un poco hacia abajo, para convertirse en una terraza de terracota y un plano de piscina. La casa es una propuesta moderna, lenguaje siempre vivo y vigente.

Primer edificio público en certificar Normas LEED

El Complejo Edilicio Juan Felipe Ibarra, sede de los Ministerios de Economía y Educación de la Provincia de Santiago del Estero, recibió la Certificación LEED (Leadership in Energy and Environmental Design) otorgada por el Green Building Certification Institute.

Luego de 4 años de trabajo, el proyecto logró conceptos de sustentabilidad y ahorro energético que lo convierten en el primer edificio público sustentable de nuestro país.

El diseño eficiente reducirá los costos de operación y mantenimiento durante toda la vida útil del complejo. Asimismo, disminuirá las demandas a través de su gestión de residuos, aguas pluviales y menor consumo de energía eléctrica.

Son edificios inteligentes, que reciben información de sensores y detectores que regulan las necesidades de iluminación y mejora térmica. Poseen sistemas de parasoles para protección solar y colectores solares para calentamiento del agua, griferías eficientes para el ahorro de agua, riego eficiente que utiliza el agua de condensado del aire acondicionado.

Se utilizaron materiales extraídos o elaborados a una distancia no mayor a 800 km, disminuyendo el uso de combustibles fósiles para el transporte de los mismos.

Terrazas absorbentes con especies vegetales mejoran el desempeño térmico y disminuyen la cantidad de agua de lluvia volcada hacia la vía pública.

El Complejo es un conjunto que alberga los Ministerios de Economía y Educación, la Caja Social, un Paseo Cultural, un mirador panorámico en el piso 24 y estacionamiento en el subsuelo. Tiene una superficie de 26.231 m2.

Monumento para las víctimas del totalitarismo en Bruselas

La Plataforma de la Memoria y la Conciencia Europea anunció los tres primeros premios de su concurso de un Monumento para las víctimas del totalitarismo en Bruselas.

Es el primer monumento de estas características del siglo XX en Europa en la Place Jean Rey, corazón del distrito de Bruselas.

Treinta y nueve entradas anónimas se enviaron al jurado, que ha anunciado como merecedor del primer lugar a Tszwai So, Spheron Architects, de Londres. En segundo, Sabina Tanovic y Dario Kristic, de Holanda; en tercer Mantas Maziliauskas, Povilas Šorys, de Lituania.

“El monumento servirá como un conmovedor recordatorio del destino de las víctimas y una advertencia contra cualquier tipo de totalitarismo “, señaló el Presidente de la Plataforma, ?ukasz Kami?ski.

“Un eco en el tiempo” se llama el proyecto ganador, una gran plaza seca con cientos de cartas en su piso. “Enviamos una apelación a nivel mundial, explicando el propósito del diseño; en cuestión de semanas se recibieron reconocimientos de casi 40.000 cartas en múltiples idiomas”, explicaron los autores del trabajo.

“Constelación de memoria” se llama el segundo premio. “Durante el día, las luces en el piso son negras, mientras que al caer la noche se asemejan a un cielo estrellado. Las luces son interactivas con los visitantes, en tableros colocados encima de los chorros de agua para simbolizar la presencia del pasado”, explicaron los creadores.

“Página en blanco” es la tercera propuesta. El monumento es una hoja de papel enrollada, perforada con letras fragmentadas de víctimas en diferentes idiomas. “La luz del día desciende, mientras que durante la noche la luz sale del volumen”.

Adolf Loos, un homenaje

Caixa Forum Madrid repasa el trabajo del arquitecto austríaco Adolf Loos (1870-1933) como diseñador de espacios, en la más ambiciosa exposición que se le ha dedicado hasta la fecha.

“Adolf Loos. Liberó la humanidad de trabajos inútiles”. Este fue el curioso epitafio que dejó el arquitecto y diseñador y que su viuda no se atrevió a grabar en su tumba.

El autor del famoso manifiesto “ornamento y delito” (1908) siempre mantuvo una actitud beligerante contra la ornamentación que imperaba en la Viena de fin de siglo XIX, con sus interiores plagados de objetos decorativos. “Lo que no es práctico no puede ser bello”, decía. Se alejó de la Secesión vienesa porque veía que no resolvía los problemas sociales. “La modernidad será social o no será”, sentenciaba. Destacaba, además, el papel del arquitecto como constructor. “El arquitecto es un albañil que sabe latín”, decía.

No son ajenos para Caixa Forum Madrid la arquitectura y el diseño. Por sus salas han pasado Palladio, Le Corbusier, Alvar Aalto y Richard Rogers. A ellos se suma ahora Loos, con una ambiciosa exposición centrada en su faceta de diseñador de espacios o interiorista, la cual reúne 218 obras (entre ellas, 120 muebles).

Loos introdujo la cultura práctica en Viena. En 1900 revolucionó la arquitectura con trabajos minimalistas como el Café Museum de Viena. Un local muy luminoso, sin decoración, donde la simplicidad y el confort son las máximas de sus diseños.

Loos aborda el mueble como un ready-made, usa texturas distintas, los emplea para separar espacios. Para él, el arquitecto está al servicio del cliente y entiende la arquitectura como sastrería.

La muestra se cierra con algunos de sus proyectos no realizados, como la sede del “Chicago Tribune” o la casa de Josephine Baker en París, con su exterior revestido en mármol en blanco y negro.

La imperfecta belleza de la casa WABI SABI

Según el observatorio de tendencias de Etsy, la expresión decorativa que marcará el estilo en 2018 es el Wabi Sabi.

El término viene de Japón y habla de la belleza de las cosas inacabadas, imperfectas y sencillas. El estudio ucraniano Sergey Makhno sigue esta filosofía para proyectar su propia vivienda en Kiev.

El amor por la irregularidad, asimetría y las cosas hechas a mano está presente en todo lo que hay entre las desiguales paredes de este ático dúplex, que añade al Wabi Sabi las técnicas de la artesanía ucraniana.

El hormigón del edificio de Makhno contrasta con el aire rural, donde las paredes homenajean el uso de la arcilla de las construcciones típicas de su país.

A lo largo de dos plantas, el arquitecto ha tratado de reflejar tierra en las paredes, fuego en las obras de arte, aire en los espacios diáfanos y agua en los baños.

En la planta principal, el proyectista eliminó las paredes para dejar la cocina abierta, de modo que junto al salón y el comedor fueran un único espacio continuo, mientras que en la planta superior los dormitorios están bañados de luz natural.

El dormitorio del hijo del arquitecto es la única estancia con una paleta alejada de los grises y marrones -tierra de la tradición Wabi Sabi-, mientras que el jardín zen de la azotea termina de cerrar el círculo: diseño japonés decorado con artesanía ucraniana, una decoración que invita a la meditación

Home | Costos | Blog | Ediciones Anteriores